Etiketë: Ngjyra

Një histori arti në 7 ngjyra

Posted on by Kult Plus

Kelly Grovier gjurmon pigmentet që përbëjnë shtresat e fshehura në kryeveprat – disa prej tyre toksike – nga Picasso dhe Prussian Blue e Hokusait deri te nuanca e kuqe e Vermeer-it.

gjyrat kanë mendjen e tyre. Ata mbajnë sekrete dhe fshehin të kaluarën me hije. Çdo ngjyrë që ndeshim në një vepër të madhe arti, nga ultramarina që Johannes Vermeer thuri në çallmën e vajzës së tij me një vath perle deri te ngjyra e paqëndrueshme që ndez qiellin e zjarrtë të The Scream të Edvard Munch, sjell me vete një prapaskenë të jashtëzakonshme. Këto histori hapin shtresa befasuese në kryeveprat që menduam se i dinim përmendësh. Kjo gjuhë magjepsëse dhe e harruar që pikturat dhe skulpturat përdorin për të na folur është tema e librit tim të ri, Arti i Ngjyrave: Historia e Artit në 39 Pigmente . Ngjyra, zbulojmë, nuk është kurrë ajo që duket.

Konsideroni, për shembull, blunë prusiane, nuancën magjepsëse që lidh papritur Vala e Madhe e Hokusait nga Kanagawa, 1831, me Dhoma Blu e Pablo Picasso, 1901. Sikur të mos kishte ndodhur një aksident në laboratorin e një alkimisti në Berlin, vepra të tilla në vitin 170 , dhe të tjerë të panumërt përveç Edgar Degas dhe Claude Monet, nuk do të kishin pulsuar kurrë me një mister apo fuqi kaq të qëndrueshme.

Gjithçka filloi kur një okultist gjerman me emrin Johann Konrad Dippel përpiloi një recetë për një eliksir të paligjshëm që ai besonte se mund të kuronte të gjitha sëmundjet njerëzore. I lindur në Kështjellën e Frankenshtajnit tre dekada më parë, Dippel (i cili, disa dyshojnë, frymëzoi Doktor Frankensteinin e Mary Shelley) ishte gati të hidhte lëngun e tij të dështuar të hirit të drurit dhe gjakut të gjedhit, kur bojëbërësi me të cilin ai ndante punëtorinë e ndaloi befas.

I freskët nga boja e kuqe e ndezur, krijuesi i ngjyrave kapi tretësirën e refuzuar të Dipelit, futi disa grushta brumbujsh të grimcuar të kuqërremtë, e hodhi tenxheren përsëri në zjarr dhe filloi të trazonte. Së shpejti, të dy po shikonin me habi se çfarë po flluskonte mbi ta në kazan: asgjë fare e kuqe nga distanca, por një blu e thellë vezulluese që mund të rivalizonte shkëlqimin e ultramarinës shumë të shtrenjtë, e cila për shekuj ishte vlerësuar si një e çmuar. pigment shumë më i shtrenjtë se ari.

Nuk kaloi shumë kohë përpara se artistët po arrinin tek bluja Prusiane (e pagëzuar kështu sipas rajonit të saj të shpikjes së çuditshme) me të dyja duart, duke i lidhur veprat e tyre me nivele të reja misteri dhe intrigash. Kjo është gjëja e ngjyrës: ajo nuk harron kurrë. Ashtu si etimologjia e një fjale të caktuar mund të shtojë leximin tonë për poezitë dhe romanet në të cilat shfaqet ajo fjalë, origjina e një ngjyre formon kuptimin e kryeveprave në të cilat ajo shfaqet.

Të shpikura nga banorët e shpellave të epokës së gurit dhe shkencëtarët e zgjuar, sharlatanët e zhdërvjellët dhe industrialistët lakmitarë, ngjyrat që përcaktojnë veprat e të gjithëve, nga Caravaggio te Cornelia Parker, Giotto te Georgia O’Keeffe, dridhen me përralla tërheqëse. Edhe pse Van Gogh mund të ketë skalitur një grimcë të të ashtuquajturës Verdhë Indiane në formën e një hëne në cep të Natës me Starry, 1889, pigmenti i mprehtë ruan ende një atmosferë të origjinës së tij të dhimbshme – të distiluar siç ishte nga urina e lopët nuk ushqeheshin vetëm me gjethe mango. Krijimi i një ngjyre është kuptimi i një ngjyre.

Ajo që vijon është një përzgjedhje e veprave të mëdha, kuptimet më të thella të të cilave zhbllokohen duke eksploruar origjinën dhe aventurat e ngjyrave brenda tyre.

1. E zezë: E zezë në kocka në Madame X të John Singer Sargent (1883-4)

Kur John Singer Sargent zbuloi portretin e tij të Virginie Amélie Avegno Gautreau, gruaja e një bankieri francez, në sallonin e Parisit në 1884, shkaktoi një skandal. Thuhet se vendimi i artistes për të lënë rripin e djathtë të fustanit të zi prej sateni t’i rrëshqasë në mënyrë joshëse poshtë supit (një detaj që ai më vonë e hoqi) ishte më shumë se sa mund të përballonin sytë bashkëkohorë. Por ka diçka më shumë se një mosfunksionim i rrezikshëm i garderobës që e shqetëson pikturën. Sargent ka prekur në mënyrë të frikshme lëkurën e zbehtë të Gautreau-s (të cilën ai e ka rrahur nga një kombinim kurioz i të bardhës së plumbit, trëndafilit, vermillionit dhe viridianit) me një majë të zezë kockash të lashtë – e nxjerrë historikisht nga mbetjet e pluhurosura të skeleteve të djegur. Përbërësi sekret komplikon ngjyrën e mrekullueshme gangrenoze të Gautreau.

2. E kuqe: Çmenduri me trëndafil në “Vajza me gotë vere” të Vermeer-it (1659-60)

Ekziston një kimi e pakëndshme midis gruas së re në qendër të pikturës së Vermeer-it “Vajza me një gotë vere” dhe kërkuesit të saj të dobët, të cilin e shohim në mënyrë të dyshimtë duke e pirë atë me gllënjka alkooli, ndërsa një shoqërues i jep kokën në qoshe. Për të intensifikuar tensionin, Vermeer ka njomur në mënyrë gjeniale fustanin e subjektit të tij në çmenduri trëndafili – një pigment që rrjedh nga rrënjët e kuqe të zjarrta të bimës barishtore shumëvjeçare Rubia tinctorum . Të ziera, rrënjët lëshojnë një përbërje organike të quajtur alizarin që mund të shtrydhet në një pije rrezatuese rubine që deh syrin. Kërkuesi i shëmtuar mund të jetë duke pirë pije, por fuqia e pikturës rrjedh prej saj.

3. Portokalli: Portokalli krom në filmin Flaming June të Sir Frederic Leighton (1895)

Portreti i famshëm i Sir Frederic Leighton i një nimfeje në gjumë, “Flaming June”, mund të duket, në shikim të parë, si mishërim i flladit të një dremitjeje të shkujdesur të verës. Për disa, mënyra se si ajo rrëshqet nën nivelin e horizontit që shkëlqen pas saj, dhe pamja e një dege oleandri vdekjeprurës që mund të arrihet lehtësisht nga krahu i saj i futur, fut temat e vdekjes dhe varrosjes në skenën në dukje dembel. Por Leighton e ka veshur me zgjuarsi fizikun e saj të dendur me hektarë portokalli kromi – një pigment relativisht i ri prodhimi i të cilit në shekullin e 19-të u bë i mundur nga zbulimi i depozitave të mëdha nëntokësore pranë Parisit dhe Baltimores, Maryland, të një minerali mashtrues të shurdhër dhe të ndyrë, kromit. , që mund të alkimizohet në shkëlqim transcendent. E veshur me portokalli kromi, Qershori i zjarrtë nuk është një i vdekshëm që do të humbasë ose do të varroset,

4. E verdha: E verdha me kallaj plumbi në Festën e Belshazarit të Rembrandt, c 1636-38

Në vitin 1940, një studiues në Institutin Doerner në Mynih goditi një nga zbulimet më të mëdha në historinë e artit. Pikërisht atëherë Richard Jacobi ia doli të krijonte recetën sekrete për të verdhën që dikur mjeshtrit e vjetër e kishin përcjellë, brez pas brezi, për shekuj, por që, që nga mesi i shekullit të 18-të, ishte zhdukur në mënyrë misterioze nga pikturat pa lënë gjurmë. . Jacobi zbuloi se ngrohja e një përzierjeje të monoksidit të plumbit dhe dioksidit të kallajit në përmasa të sakta mund të prodhonte gamën e shijshme të të verdhave nga mustarda e errët deri te byrynxhyk i shijshëm që Titian përdori për të ndriçuar rrobat e zhveshur në Bacchus dhe Ariadne, dhe në të cilën Rembrandt mbështetej për fjalët e shkruara. nga Zoti në murin e festës së tij të Belshazarit.

5. E gjelbër: E gjelbër smeraldi në Ditën e Verës së Berthe Morisot (1879)

Disa dyshojnë se Scheele’s Green, një pigment jeshil toksik i gjetur në letër-muri që zbukuronte dhomën e gjumit të Napoleon Bonapartit të mërguar në Shën Helena, mund ta kishte helmuar ngadalë, duke rezultuar në vdekjen e tij në 1821. Gjysmë shekulli më vonë, piktori francez Berthe Morisot do të arrinte për jeshile smeraldi, një kushëri i afërt i Gjelbër i keq i Scheele, për të bërë sfond qiellin në pikturën e saj Dita e Verës. Ndonëse vepra duket se ka kapur një palë gra të reja në një varkë, të ngurta në ujë të lagur, ka diçka shqetësuese në ajrin që thithin. Gjithashtu i lidhur me arsenik, Emerald Green i jep një hijeshi të pakëndshme skenës – atë që lëkundet dhe kthehet.

6. Purple: Cobalt Violet në Irises të Claude Monet (1914-1926)

Arti dhe fati shkojnë dorë për dore. Një rastësi fatlume në shekullin e 19-të që përfshin shpikjen e vjollcës së kobaltit, pigmentit të parë të purpurt të ndërtuar me qëllim, dhe shpikjes së tubave portativë të bojës që artistët mund të merrnin me vete jashtë do të rezultojë i domosdoshëm për impresionistët e etur për të kapur se si bien hijet në natyrë. “Më në fund kam zbuluar ngjyrën e vërtetë të atmosferës,” do të dëgjohej Édouard Manet duke i bërtitur një grupi miqsh në 1881. “Është vjollcë. Ajri i pastër është vjollcë. E gjeta! Tre vjet nga tani të gjithë do të bëjnë vjollcë!” Ndër ata që do të vërtetonin se Manet kishte të drejtë ishte Claude Monet, pikturat e të cilit irises dhe zambakëve i detyrohen ekzistencës së tyre shpikjes në kohë. Pikturat e Monet-it nuk përshkruajnë vetëm ngjyrë vjollce. Ata e marrin frymë.

7. E bardha: E bardha e plumbit në Simfoninë në të bardhë të James McNeill Whistler, nr 1: Vajza e bardhë (1861-2)

E bardha ka një anë të errët. Vetëm shikoni Simfoninë në të Bardhë të James McNeill Whistler, nr 1: The White Girl, titulli i së cilës përpiqet pothuajse shumë me përsëritjet e tij të fjalës “e bardhë” për të fshehur brengën e krijimit të saj. Ndërsa piktura mund të duket një emblemë e pastërtisë së patëmetë, ajo mbështetet në një pigment të ndyrë: të bardhën e plumbit. Për të prodhuar pigmentin, rripat e plumbit vendosen pranë një pellgu uthull për një muaj në një dhomë prej balte, të rrethuar nga grumbuj jashtëqitjesh të fermentuara të kafshëve. Kombinimi i një acetati, i formuar nga afërsia e plumbit dhe uthullës, me tymrat e dioksidit të karbonit të emetuar nga feçet e nxehta, dha një patinë të bardhë të fryrë në shiritat e plumbit që ishte sa tërheqëse aq edhe vdekjeprurëse. Që në shekullin e 2-të, mjeku dhe poeti grek Nicander of Colophon e përshkroi të bardhën e plumbit si një “krije të urryer”. që mund të shkaktojë efekte të thella neurotoksike tek ata që e marrin atë. Megjithatë, larg nga ndotja e punës së Whistler-it, origjina e të bardhës prej plumbi hedh dritë të papritur ngritëse mbi pikturën dhe sugjeron atë që ne të gjithë shpresojmë: që arti ka fuqinë të na transformojë, pavarësisht nga e kaluara jonë, në diçka të bukur dhe të re.

Arti i ngjyrave: Historia e artit në 39 pigmente nga Kelly Grovier është publikuar tani./bbc/KultPlus.com

“Pragu”, dy platforma që paraqesin evolucionin artistik të Renea Begollit

Posted on by Kult Plus

Uranik Emini

E vendosur në një lokacion të veçantë, “Galeria Qahili” e saporinovuar ishte mikpritëse e një artisteje vizionare, Renea Begolli, dhe ekspozitës së saj personale, “Pragu”, më 8 shkurt. Artistja e re, e njohur për stilin e saj unik dhe figurat e saj imagjinative, u nderua nga artdashësit dhe fytyra publike teksa tregoi fuqinë e artit të saj, shkruan KultPlus.

Hyrja në “Galeria Qahili” ishte si të hyje në një botë tjetër, ku kufijtë mes realitetit dhe imagjinatës ishin të mjegulluara. Ekspozita ishte e ndarë në dy pjesë, ku pjesa e poshtme tregonte vizatimet e kaluara të Begollit, ndërsa pjesa e sipërme ishte një piedestal i botës tjetër që shfaqte figura që u ngjanin alienëve, së bashku me vizatime panoramike, kryesisht të mbushura me ngjyra nga më të ndryshmet.

Me çdo vepër arti, vizitorët transportoheshin në botën imagjinare të Begollit, ku çdo gjë ishte e mundur dhe asnjë detaj nuk ishte shumë i vogël për t’u vlerësuar. Detajet e ndërlikuara, ngjyrat mahnitëse dhe dhuntia krijuese në secilën pjesë i lanë vizitorët të mahnitur nga talenti dhe zgjuarsia e një artisteje të re.

Ekspozita e Renea Begollit u kurua nga Yll Xhaferi, i cili mblodhi me mjeshtëri veprat e saj për të krijuar një eksperiencë të paharrueshme, ndërkaq “Galeria Qahili” prezantoi dinjitetshëm figurat e saj imagjinative dhe stilin unik.

Hapja e ekspozitës “Pragu” ishte një ngjarje e mbushur me yje, ku të pranishëm ishin shumë personazhe publike dhe artdashës. Njerëzit e pranishëm në këtë galeri u mbushën me emocione ndërsa vizitorët mrekulloheshin nga detajet e ndërlikuara dhe dhuntia krijuese e shfaqur në çdo vepër arti.

Artistja dhe protagonistja e kësaj ekspozite, Renea Begolli, tha për KultPlus se ndjehet shumë e lumtur që ka arritur të hap këtë ekspozitë, derisa ndau detaje të tjera rreth ekspozitës.

“Ideja e “Pragut” ka qenë për shkak të konceptit të punëve, punët e trajtojnë pak hapësirat e ndërmjetme dhe punët kalojnë prej një mënyre qysh i kom punu në tjetrën. Ekspozita është e ndarë në dy pjesë, ku paraqiten punët e mia të kaluara dhe të tanishme, shihet edhe një zhvillim i punës dhe një transformim i imi. Edhe ideja e “Pragut” ka qenë si një simbol dhe çka nënkupton me qenë në një prag, a je brenda apo jashtë dhe disa pyetje të tilla jam munduar me i shtru përmes këtij titulli”, thotë ajo.

Tutje, Begolli flet edhe për pjesën e veprave të ndara në dy pjesë dhe stilin e saj transformues.

“Edhe puna jem është shumë kërkuese, jam gjithmonë në kërkim që të mbërrij nga një punë në tjetrën dhe të mos e përsëris veten. Punët ndryshojnë, idetë ndryshojnë, ngjyrat e të gjitha këto që janë të lidhura me njëra tjetrën, por kur je e re gjithmonë mundohesh me ndryshu dhe me e gjet veten si duhet, edhe pse ka shumë sfida në këtë aspekt. Nuk tentoj që të krijoj punën e njëjtë, secila punë e ka një veçanti”, shpjegon ajo më tej për KultPlus.

“Unë nuk besoj në idenë e stilit të artistit, unë përveti kam qef që ta sfidoj veten, por gjithmonë puna ndryshon, në këtër rast edhe artisti. Nuk besoj që në ndonjë moment kom me gjet stilin tem, por do të jem gjithmonë në kërkim për shumë gjëra të reja”, njofton Begolli.

Trupi, ndryshimet që ky i fundit pëson dhe gjendja fizike e emocionale e tyre, është njëra prej temave që artistja synon të përçoj si mesazh te publiku.

“Njëra prej temave që kjo ekspozitë trajton është trupi, dhe ndryshimet që ndodhin në trup, si fizkisht, si në gjendjen emocionale dhe sidomos ndryshimet që ndodhin në natyrë dhe si ndikojnë te ne. Trupat janë sikurse spekulativ në një mënyrë se si kishin mujt me ndryshu trupat tonë në një të ardhme kur ambienti është duke u shkatërruar në një lloj forme, këto trupa si alien janë edhe si njerëzor por edhe ikin prej saj. Trupat nëse shikohen veçmas, ndrrohen edhe ato në secilin punim, edhe gjendja emocionale e tyre dhe pozita në të cilën gjenden fizikisht po edhe ambienti ku janë”, përfundon ajo, duke falënderuar të gjithë të pranishmit që erdhen për të parë nga afër vizatimet e saj në këtë ekspozitë.

Ndërkaq, kuratori i kësaj ekspozite, Yll Xhaferi, thotë për KultPlus se ai në rolin e kuratorit, ka qenë për herë të parë.

“Fillimisht, në pozitën e kuratorit gjendem për herë të parë. Është një bashkëpunim interesant, sepse Renea më ka ftu, ndërkaq unë atë e njoh që moti kohë dhe na ka ra me e pa punën e njëri tjetrit. Unë jam më i madh me moshë dhe e kom pa evoluimin e punëve të Reneas dhe progresit që ajo e ka bërë prej fillimmit të studimeve deri tash, ku është në përfundim të masterit. Kur më ka ftu, e kom marr si sfidë, por tu mendu që e njohim njëri-tjetrin, i kom hy kësaj sfide”, shpjegon Xhaferi.

Bashkëpunim i natyrshëm për një finale të bukur

“Bashkëpunimi ka shku shumë mirë e natyrshëm dhe është normale që punët të vlerësohen prej publikut. Një prej pjesëve më të vështira më të cilën jam përballur është ky bashkëdygëzimi i ciklit të vjetër të punëve që ka pasur me këto të reja. Normalisht, kanë kuptim nëse e njeh Renean mirë, pasi ka përdoru stil komplet tjetër, më herët një pop-abstrakte dhe ka kaluar në një figuracion shumë interesant. Prej zbërthimit të formave te krjimi i disa personazheve, që duken paska si jashtëtoksor por sigurisht publiku mund të asociohet me këto trupa, pasi janë duke mbajt pozita shumë vragjile dhe njerëzore. Pjesa tjetër mund të shihet nga publikut”, vazhdon tutje kuratori i ekspozitës “Pragu”.

Xhaferi gjithashtu shpjegon edhe procesin e përzgjedhes së galerisë “Qahili”, si vend të duhur për shfaqjen e pikturve të Begollit.

“Sepse na ka përmbush kërkesat tona, pasi është e ndarë në dy pjesë, ku pjesa kryesore paraqet një pidestalë ku paraqiten punimet e reja, ndërkaq në atë pjesën tjetër duket pak më intime dhe si dhomë personale, ku paraqiten punët e saj të vjetra. Na u ka përshtat sikurse me porosit, kështuqë kemi vendosur me bashkëpunu. Një pjesë tjetër që mund të themi se ka ndikuar që ne të zgjedhim Galerinë “Qahili” është edhe pjesa e ndriçimit, ku shpesh ne e nënvlerësojmë anën teknike. Një ndriçim i mirë, automaitkisht e vlerëson punën tuaj dhe artistit”, përfundon ai.

Si përfundim, ekspozita “Pragu” e Renea Begollit në “Galeria Qahili” ishte një ngjarje e suksesshme dhe e paharrueshme që shfaqi stilin dhe talentin unik të artistes së re. Me kërkimin e saj të vazhdueshëm për forma të reja të shprehjes dhe figurat e saj imagjinative, Begolli me siguri do të bëjë emër në botën e artit Ekspozita do të qëndrojë e hapur deri më 4 mars. /KultPlus.com

Kjo është ngjyra më e ndritshme në botë

Posted on by Kult Plus

Arti dhe shkenca mund të duken dy të kundërta, por një teknologji e re tregon se si ndërthurja e tyre mund të jetë një hap revolucionar.

E quajtur si “ngjyra strukturore”, kjo teknologji pretendon se nxjerr në pah “ngjyrën më të ndritshme në Tokë”. Ngjyra strukturore prodhohet nga disa nanostruktura – ose pjesë tepër të vogla që reflektojnë dhe shpërndajnë dritën, si dhe imitojnë ngjyrimet më të ndritshme që gjenden në natyrë.

Teknologjia është zhvilluar nga “Lifescaped”, një laborator i themeluar nga Andrew Parker, i cili e identifikon veten si shkencëtar dhe artist. Këtë muaj, veprat e tij janë ekspozuar në Kopshtin Botanik Mbretëror në Londër, përcjell KultPlus.

Vetë galeria është e errët, me mure të lyer me ngjyrë të zezë, të cilat nxjerrin edhe më shumë në pah pikturat e Parker. Disa prej tyre janë frymëzuar nga fenomene natyrore, si “big bang”-u, ndërsa vepra të tjera imitojnë ngjyrat dhe strukturat e petaleve të luleve apo krahëve të fluturave.

“Ngjyra është diçka që formohet tërësisht në mendje. Përbëhet vetëm nga valë rrezesh elektromagnetike që kalojnë rreth nesh dhe ne i konvertojmë në ngjyra”, thotë Parker për CNN. “Arti dhe shkenca bashkohen nga ngjyra. Ne po përdorim fizikën për të manipuluar dhe rafinuar nuancat e ngjyrave që mund të prodhojmë”.