Ferdinand Victor Eugène Delacroix, artist dhe piktor francez, lindi më 26 Prill 1798 në Charenton-Saint-Maurice, një qytet afër Parisit, në departamentin e Luginës së Marne. Ai përfundoi studimet e para në shkollën e mesme Louis-le-Grand, ku zhvilloi një dashuri për letërsinë klasike. Në vitin 1815, ai filloi studimet e artit nën udhëheqjen e Pierre-Narcisse Guérin dhe u frymëzua nga stilin neoklasik të Jacques-Louis David.
Në vitin 1819, Delacroix mori një porosi për një pikturë fetare, “Virgjëresha e Mesisë”, e cila ka ndikime rafaelian. Dy vjet më vonë, ai krijoi “Virgjëresha e Zemrës së Shenjtë”. I pasionuar pas përdorimit të ngjyrave të ndritshme dhe të pasura nga Pieter Paul Rubens, ai gjithashtu u mahnit nga “Rrapi i Meduzës” i Théodore Géricault, që e inspiruan të krijojë veprën e tij të parë të shquar, “Varka e Dantes”, e cila u pranua në Sallonin e Parisit më 1822. Pavarësisht se kjo pikturë bëri bujë, ajo nuk u pranuar menjëherë nga bota akademike, por u ble nga Galeria e Luksemburgut.
Në vitin 1825, Delacroix udhëtoi në Britaninë e Madhe, ku vizitoi Richard Bonington dhe Thomas Lawrence. Gjatë këtij udhëtimi, ai zbuloi përdorimin e ngjyrave tipike të artit britanik të asaj periudhe, që e çoi atë të krijonte dhe përfundonte “Portretin e Louis-Auguste Schwiter”, portreti i tij i vetëm i dimensioneve të mëdha.
Po ashtu, ai iu përkushtua krijimit të litografive që përshkruanin vepra nga William Shakespeare dhe të vizatimeve frymëzuese nga “Fausti” i Goethe. Tema të dhunshme dhe sensuale shfaqen në veprat e tij si “Lufta e Gjaurit dhe Hasanit” dhe “Gruaja me papagall”, të cilat u përfunduan në periudhën 1826-1827. Më pas, ai krijoi “Vdekja e Sardanapalus”, një pikturë që portretizon mbretin asirian të rrethuar nga ushtarët që vrasin konkubinat dhe shërbëtorët e tij.
Më 1829, Delacroix pikturoi “Vrasja e Peshkopit të Liège”, një vepër që përmbledh temat romantike të frymëzuara nga Walter Scott, dhe që përshkruan vrasjen e Louis of Bourbon.
Eugène Delacroix vdiq më13 gusht 1863në Paris: trupi i tij u varros në varrezat Père Lachaise./Liberale.al/ KultPlus.com
“Magnetike dhe mahnitëse që shkon deri në limitet e saj në skenë”, kështu e përshkruan The New York Times sopranon shqiptare, Ermonela Jaho. “Un bel dì”, arja e madhe e “Madamme Butterfly”, me të cilën ajo po shfaqet në festivalin provincën Aix-en në Francë, e shpërfaq në të gjitha dimensionet artisten.
Opera flet për një grua të re japoneze e bindur se oficeri i marinës amerikane që e braktisi do të kthehet, dhe “Un bel dì” rrëfen fantazinë e saj për të parë anijen e tij duke lundruar përsëri në portin në Nagasaki. Në Festivalin Aix-en-Provence në Francë, Ermonela Jaho e përmbledh atë iluzion të dëshpëruar duke bërë që koha të ndalet.
Jaho, e cila mbush 50 vjeç më 18 korrik, jep këto fije tingujsh që ndalojnë kohën përsëri dhe përsëri në momente si hyrja eterike e Butterfly, e shënuar edhe më e butë se pianissimo; gjatë duetit të saj të dashurisë me Pinkerton, oficerin e pashpirt amerikan. Mezi të dëgjueshme, por të mbushura me teatër, si me shkëlqimin e bojërave të ujit ashtu edhe me saktësinë e një vizatimi me stilolaps.
Këto pasazhe të larta e të qeta janë një specialitet Jaho, që kap thelbin e personazheve të saj të brishtë dhe të vuajtur, kështu e përshkruan gazetari Zachary Woolfe, i New York Times, performancën e saj, duke vijuar se zëri i Jahos, ndonëse jo i madh, është mjaft i sigurt, saqë ata pianissimi regjistrohen edhe në shtëpi të gjera. Théâtre de l’Archevêché në Aix, ku po luhet “Butterfly”, ka rreth 1200 vende. Por edhe në Metropolitan Opera në Nju Jork, me mbi trefishin e kapacitetit. Kombinimi i saj i teknikës së përsosur dhe përkushtimit të plotë – ndjenja katartike se ajo është duke jetuar me të vërtetë historitë e disa prej grave më prekëse të operës – ka fituar ovacionet e saj, lavdërimet kritike dhe adhurimin e kolegëve të saj.
Vetë Jaho dy ditë para shfaqjes shprehet se “Pianissimi”, sic kërkohet të interpretohet vepra e Puccinit “Madama Butterfly”, është tingulli i shpirtit dhe “Pianissimi”, mund të jetë më dramatike sesa të bërtasësh.
Guximi që ajo tregon në skenë për t’ju dhënë 150 për qind të vetvetes dhe më shumë, është vërtet unik sot,” shprehet dirigjenti Antonio Pappano, drejtori muzikor i sapo larguar i Operës Mbretërore në Londër. Andrea Breth, drejtoresha e saj në Aix, shprehet po ashtu se ajo kurrë nuk kishte punuar me një artiste kaq të bukur.
The New York Times tregon dhe për të shkuarën e Ermonela Jahos e cila u rrit në një familje ushtarake në Shqipëri duke menduar se opera ishte vetëm duke bërtitur. Por kur ishte 14 vjeç, ajo pa për herë të parë “La Traviata” në Tiranë. Jo vetëm që u dashurua me këtë pjesë, por menjëherë mendoi se mund ta kishte bërë më të besueshme se sopranoja në skenë. E ardhmja e saj u vulos dhe disa vite më vonë u transferua për të studiuar në Itali.
Shfaqjet e Jahos arrijnë kulmin pas përfundimit të operës, shkruan gazetari Zachary Woolfe, i New York Times duke përshkruar edhe momentin e përfundimit shfaqjes. Disa soprano dalin me buzëqeshje e me valë për përkuljet, edhe pas pjesëve më tragjike. Por Jaho duket pothuajse e shkatërruar.
“Pas një shfaqjeje, unë jam plotësisht bosh,” shprehet Jaho “Kam dhënë gjithçka. Nuk dua as të dal në skenë për duartrokitje; Unë dua të largohem. Jam e shpartalluar.”
Artikulli i The New York Times mbyllet me thëniet e drejtorit artistik të saj, Breth, i cili thotë: “Në një farë mënyre, unë mendoj se ajo është si një fëmijë. Shumë e pambrojtur dhe duhet të jeni vërtet të kujdesshëm me të; ju duhet t’i jepni asaj strehë dhe shumë dashuri. Por nuk mund të mendoj për një “Buterfly” tjetër se ajo.”
Disa dy dekada më parë, Galeria Kombëtare e Portreteve të Smithsonian bleu një album të shekullit të 19-të që përmban 2000 silueta portrete letre, duke përfshirë ato të George Washington dhe Thomas Jefferson, të bëra nga artisti udhëtues William Bache dekada përpara ardhjes së fotografisë. Por deri vonë, galeria dinte pak detaje të çmuara për shumicën e atyre që ishin fotografuar.
Hulumtimi i ndërlikuar ishte një surprizë e padëshiruar: Në vitin 2008, konservatorët zbuluan se faqet dhe lidhja e albumit ishin të kontaminuara me arsenik, një toksinë e pranishme kudo në vitet 1800 përpara se të kuptohej se ishte helmuese. Nuk mund të trajtohej ose ndahej në mënyrë të sigurt me vizitorët pa masa paraprake të veçanta për materialet e rrezikshme.
Por tani, çdokush mund të shikojë një version dixhital të albumit, të titulluar “Albumi i siluetave të William Bache”, falë financimit nga iniciativa e Getty’s Paper Project – dhe ndihmës së kostumeve hazmat. Me hapjen e faqes në internet, ekipi kurator i Galerisë Kombëtare të Portreteve ka zbuluar edhe identitetin e qindra të tjerëve që ishin për Bache. Gjatë viteve të fundit, ata i kanë përshtatur emrat Bache të listuar me çdo portret me njerëz të vërtetë duke përdorur bazën e të dhënave gjenealogjike Ancestry, e cila përfshin raportet e hershme të regjistrimit të popullsisë në SHBA; regjistrime të shumta të lindjes, martesës, vdekjes dhe emigracionit; dhe pemët familjare që datojnë prej shekujsh.
Në ndarjen e punës me publikun e gjerë, kuratoret shpresojnë të zbulojnë edhe më shumë për subjektet e Bache-s, shumica dërrmuese e të cilëve nuk ishin figura të shquara, por njerëz të zakonshëm që donin të bënin siluetën e tyre. Me fotografinë ende dekada larg, siluetat ishin mundësia e parë që njerëzit të kishin fotografi të tyre dhe të të dashurve në shtëpi.
“Ne shpresojmë që, ndërsa njerëzit bëjnë gjenealogjinë e tyre, të afërmit mund të na kontaktojnë,” tha Robyn Asleson, kuratorja e printimeve dhe vizatimeve të muzeut, në një intervistë telefonike. “Dhe nëse koleksionet e (muzeut) kanë një siluetë të paidentifikuar, ata mund të jenë në gjendje t’i identifikojnë ato duke parë këtë album.”
Dixhitalizimi i shekullit të 19-të Nga 1802-1813, Bache udhëtoi nga qyteti në qytet lart e poshtë Bregut Lindor të SHBA-së, duke promovuar portretet e tij të lira dhe të reja siluetë, duke paguar 25 cent (rreth pesë dollarë sot) për katër imazhe identike. Ai përfundimisht hapi dyqan në New Orleans, më pas udhëtoi për në Kubë, duke promovuar shërbimet e tij derë më derë.
“Ai ishte në çdo qytet vetëm për një kohë të shkurtër… ai thjesht lëvizte vazhdimisht,” tha Asleson. Në atë kohë, artistët “duhej të shkonin te njerëzit, në mënyrën që aktorët në atë kohë duhej të vazhdonin të udhëtonin me shfaqjet e tyre. Pasi qyteti ta ketë parë, ata nuk duan ta shohin më”.
Për të arritur ngjashmërinë e subjekteve të tij, Bache përdori një gjurmë fizionomike – një pajisje mekanike gjysmë automatike, origjina e së cilës daton në Francën e shekullit të 18-të, e cila i ndihmoi artistët të riprodhonin me besnikëri profilin e një personi në letër. Artisti dhe dy nga bashkëpunëtorët e tij patentuan versionin e tyre. Ndërsa disa pajisje të ngjashme gjurmonin fizikisht fytyrën e një personi me një shirit të vogël, ato të Bache mund të kenë funksionuar duke gjurmuar hijen e subjektit që nuk ofron kontakt me fytyrën e një personi në një epokë ankthi për sëmundje.
Asleson dhe kuratorët e kaluar kanë qenë në gjendje të identifikojnë shumë nga kujdestarët e Bache-s falë sistemit të rregullt që ai mbante në album, i cili gjithashtu shërbeu si libri i tij. Ai mbante një kopje të numëruar të secilit portret, i cili përkonte me një indeks emrash në pjesën e pasme të albumit. Por Bache me sa duket nuk mbante regjistrime të destinuara për sytë e kuratorëve të ardhshëm dhe me kalimin e kohës, shkrimi i tij u bë i ngadaltë.
“Deri në fund… është shumë e vështirë të lexosh shkrimin e tij,” tha Asleson.
Bache nuk e merrte gjithmonë emrin e duhur, nganjëherë zgjidhte drejtshkrimin fonetik, shtoi ajo. Dhe, në Kubë, ai braktisi fare numërimin dhe emërtimin, duke lënë qindra portrete pa asnjë informacion të identifikueshëm.
“Ai thjesht po shkonte derë më derë për sa më shumë njerëz të ishte e mundur,” tha ajo. “Dhe unë mendoj se ishte thjesht një sistem tjetër – ai nuk ishte në një dyqan ku njerëzit mund të vinin në mënyrë të rastësishme.”
Asleson thotë se është e paqartë pse faqet dhe lidhja e albumit janë të kontaminuara me arsenik, por vuri në dukje se ishte “pjesë e jetës së përditshme” në atë kohë. Galeria e zbuloi praninë e saj vetëm kur një kurator që punonte me albumin donte të testonte mbetjet e dukshme ndaj letrës së zezë. (Toksiciteti i arsenikut zakonisht rezulton nga gëlltitja, jo përmes lëkurës, por ende konsiderohej i rrezikshëm nga Smithsonian.)
“Është thjesht një rast që ata e bëjnë këtë testim, gjë që ngre pyetjen se ndoshta shumë gjëra janë të kontaminuara dhe ne nuk e dimë”, tha ajo.
Vizitorët e albumit dixhital mund të shikojnë çdo portret individual dhe të lexojnë se çfarë informacioni disponohet për temën e tij. Projekti filloi në mars dhe Asleson tha se ishte vetëm fillimi i përpjekjeve të dixhitalizimit në institucionet e Smithsonian./cnn/KultPlus.com
Ish-fotoreporterja, Aïda Muluneh tani krijon imazhe që shtrojnë pyetje, në vend që të ofrojnë përgjigje.
Muluneh ka kaluar vite duke krijuar fotografi surrealiste të grave madhështore afrikane që mbajnë simbole që llogariten me konfliktin, historinë dhe fuqinë. Motivet e pikturuara të syve – si dhe vështrimi i palëkundur i subjekteve të saj – përfaqësojnë nevojën për të dëshmuar, karriget përfaqësojnë vendet e ndikimit dhe perdet tërhiqen për të treguar artin skenik të politikës.
Tani, imazhet e artistes etiopiane kanë pushtuar qindra strehimore autobusësh në Nju Jork, Çikago, Boston dhe shtëpinë e saj aktuale në Abidjan, Bregu i Fildishtë, përmes ekspozitës “Aïda Muluneh: Ja ku jam”, porositur nga Fondi i Artit Publik. një organizatë jofitimprurëse me bazë në Nju Jork.
Megjithëse puna e Muluneh ka shërbyer tashmë si art publik, duke përfshirë ekspozita në ajër të hapur në Evropë, “Kjo është ku jam” është instalimi i saj më i madh publik deri më sot.
“Sa herë që kam mundësi të shfaq punën time në hapësira shumë publike, zakonisht angazhohem me ato lloj projektesh”, tha ajo. “Gjithmonë kam besuar se ju duhet të sillni artin edhe te njerëzit, jo vetëm ta mbani atë brenda hapësirave elitare, muzeve apo galerive”.
Në një imazh të mrekullueshëm nga instalacioni, i titulluar “Të flasësh në heshtje”, Muluneh përdor një objekt të përsëritur në punën e saj – tenxheren tradicionale etiopiane të kafesë, ose jebena – si një thirrje për dialog të hapur në vendin e saj të lindjes.
Muluneh nuk do të bazohet saktësisht në atë se çfarë dialogu duhet të ketë, por në vitet e fundit Etiopia ka parë paqëndrueshmëri politike dhe konflikt të armatosur në rajonin Tigray të vendit.
“Unë vij nga një kulturë ku ne nuk flasim hapur për gjërat. Nuk ka diskutim të hapur,” tha Muluneh në një intervistë telefonike.
Një portret elegant i një kërcimtareje pole në Oman feston forcën e një gruaje në natyrë
“Të flasësh në heshtje”, si me imazhet e tjera të saj, ka shenja të dallueshme menjëherë brenda kulturës së saj, tha Muluneh. Skena është paraqitur në ngjyrën e gjallë të gjelbër, të verdhë dhe të kuqe të flamurit të Etiopisë, ndërsa një grua e ulur, me sytë nga kamera, është e rrethuar nga figura binjake që mbajnë secila dorezën e lakuar të jebenës. Në simetri të përsosur, ato anojnë enët, megjithëse nuk derdhen lëngje.
“Ceremonia jonë e kafesë ka shumë simbolikë në të… është një pikë grumbullimi për të pasur diskutime, për të shijuar momente, e kështu me radhë,” shpjegoi Muluneh. Për të, jebena “është simbolike si formë komunikimi”.
Frymëzimi poetik
Në të gjithë punën e saj, Muluneh përdor sfonde të pikturuara me dorë dhe bojë trupi në modelet e saj – të cilat janë hedhur nga Etiopia dhe Bregu i Fildishtë – për të rritur fuqinë e imazheve dhe efektin e ëndrrave.
Ajo ka prodhuar një seri rreth mungesës së ujit për organizatën jofitimprurëse WaterAid, e fotografuar në kripërat jomikpritëse të Dallol, Etiopi, si dhe ka punuar për Qendrën Nobel të Paqes të Norvegjisë, duke eksploruar sesi uria është armatosur gjatë luftës.
Pjesa e fundit e veprës e ka marrë emrin nga poema “Kjo është ku jam” e poetit dhe romancierit etiopian Tsegaye Gabre-Medhin, shkruar në vitin 1974 – viti kur filloi Revolucioni Etiopian dhe lindi Muluneh. Pesë vjet më vonë, Muluneh dhe nëna e saj u larguan nga vendi, duke u zhvendosur në Jemen, Angli dhe Qipro dhe përfundimisht në Kanada.
Proza e ngarkuar emocionalisht e poemës është vendosur në sfondin e luftës, ndërsa protagonisti e shikon me tmerr, duke mbajtur peshën e përgjegjësisë.
Gabre-Medhin “shpreh këtë ndjenjë pafuqie ose zhgënjimi” në trajtimin e ndikimit të luftës, shpjegon Muluneh – “të gjitha këto gjëra që si artistë, ne bëhemi dëshmitarë. Ne luajmë një rol në dokumentimin e atyre momenteve.”
Kjo foto e intimitetit mashkullor në Indinë e viteve 1980 ishte më subversive sesa duket
Por imazhet e Muluneh janë më shumë enigmatike sesa të drejtpërdrejta. Ngjarjet botërore rrallëherë janë të rregullta dhe Muluneh i reziston idesë se diskutimet e hapura do të thotë të kesh qëndrime të vijës së ashpër.
“Me këtë punë, jam vërtet kurioze se si do të jetë pritja nga njerëzit e mi,” tha ajo. “Por këto janë bisedat që unë mendoj se duhet të kemi – pavarësisht nëse njerëzit duan apo jo – dhe mendoj se kalojmë shumë kohë në heshtje”./cnn/Kultplus.com
Në faqet n° 71 – 92 të librit me titull “Vitae et icones sultanorum Turcicorum, principum Persarum aliorumq[ue] illustrium heroum heroinarumq[ue] ab Osmane usq[ue] ad Mahometem II : ad vivum ex antiquis mettallis effictae, primum ex Co[n]sta[n]tinopoli D. Imp. Ferdina[n]do oblatae nunc descriptae & tetras[t]ichis succinctis illustratae”, botuar në vitin 1596, gjejmë një portret të rrallë të Gjergj Kastriotit, si dhe portretet e Donikës, Hamzait, Tanush Topias dhe Moisi Golemit (Dibranit), të cilat, Aurenc Bebja, nëpërmjet Blogut “Dars (Klos), Mat – Albania”, i ka sjellë për publikun shqiptar :
